Wetter. Pellworms Wolkenformationen im Gegenlicht

Wie ich lerne, mit Halos zu leben

Die Nordsee und die sie umgebenden Landschaften hatten auf mich immer schon eine sofort einsetzende beruhigende Wirkung. Vermutlich liegt es daran, dass es dort – neben dem gemeinen Deichschaf in multipler Ausführung – vor allem eines gibt: Weite. Ich hätte einfach nichts dagegen, wenn es in meinem Kopf ähnlich aussehen und in meinen Gedanken zur Abwechslung mal genauso eine Ruhe herrschen würde. Wunschdenken. Aber nun ja. Bis dahin bleibt dieser Landstrich eines dieser Urlaubsziele, an die ich mich immer dann beamen möchte, wenn es in meinem Leben etwas zu voll für meinen Geschmack wird.

Letzte Woche war es dann soweit, nach vielen Monaten Corona-Zurückhaltung ohne größeren Ausflug, hatten wir vier Übernachtungen auf Nordstrand gebucht. Wind, Weite und wenig Leute – so die Wunschliste (die ich zwischendurch um den Punkt “Fischbrötchen” ergänzt habe).

Fototechnisch bedeutet Nordsee für mich in der Regel Film. Nichts visualisiert für mich so sehr Ruhe, wie ein ein gut aufgeräumtes Schwarzweißbild. Bevorzugt auf Fuji Neopan Acros oder Kodak TriX. und am liebsten in einem größeren Filmformat also 6×7 cm oder 4×5 Inch. Negativ lässt sich eben nur durch noch mehr Negativ toppen.

Dieses Mal wollte ich es mir etwas leichter machen und habe, statt eines meiner alten analogen Schätzchen mitzunehmen, meine Z6 eingepackt. Digital an die Nordsee – hell freezes over! Offen gesprochen hatte die Kamera, wie ihre Halterin, dringend Auslauf nötig. Außerdem hat sie die nette Eigenschaft, dass ich mit ihr für eine gewisse Bewegungsunschärfe nicht mal ein Stativ brauche (so ein stabilisierter Sensor ist mitunter recht praktisch). Ich hätte also die Gelegenheit gehabt, meine Treulosigkeit mit Gewichtsersparnis und wirklich kleinem Fotogepäck zu begründen. Wären nicht das zweite weit öffnende Objektiv, das Subjektiv Pancake und das Notebook noch mit in den Rucksack gewandert. Chance vertan.

Was bleibt an Rechtfertigung? Mit soviel Equipment kann man sicher tolle Bilder machen.
Denkste!

Es ergab sich nämlich, dass der Mann in einer seiner letzten Podcast-Episoden mit seinen Co-Hosts trefflich über die Freuden des Schnappschusses philosophierte und sich darob spontan (während der Hinfahrt auf dem Beifahrersitz) dazu entschloss, unseren Ausflug allein mit dem iPhone zu dokumentieren (es bleibe an dieser Stelle nicht unerwähnt, dass auch er Kamera für Erwachsene im Gepäck hatte). Eine zusätzliche Einschränkung: die Nutzung eines speziellen Kamera-App, nämlich Argentum. Die App bietet verschiedene Filter (bitte werfen Sie eine Münze ein), welche stark von der Ästhetik klassischer schwarzweiß Fotografien inspiriert sind. Einen ersten Filter – Ansel Adams – gibt es gratis. Dramatische Himmel anyone?

Natürlich habe ich das Spiel dann mitgespielt. Ich bin ja so leicht zu überzeugen umzupusten. Was sich für die meisten von Euch vielleicht nicht als eine große Sache darstellt, war für mich wirklich eine Herausforderung. Die Kamera in meinem iPhone ist für mich immer nur zweite Wahl. Ich nutze sie fast nur zur Dokumentation von Alltagsgegebenheiten, dem gelegentlichen Katzen- oder Gartenbild. Die Bilder lösche ich irgendwann wieder. Kaum eines davon hat es jemals auf mein Blog oder auf Flickr geschafft. Nanu, Moni – woher kommt dieser Kamera-Snobismus? Ausgerechnet bei Dir? Ähem ….

Nun ist es nicht so, dass ich nicht will – eher ist es so, dass ich nicht KANN. Es gibt bestimmte Kameras in meinem Fundus, die mir (gefühlt) helfen, meine Motive nicht nur so einzufangen wie ich es mag, sondern sie überhaut erst richtig zu sehen. Ganz vorne dabei: meine Pentax 67. Mit ihr habe ich selten Bildfindungsstörungen. An meiner Z6 muss ich noch kräftig üben, aber wir finden langsam zusammen. Ich mit der Kamera im iPhone? Klingt nicht nach einem Dream Team.

Immerhin hatte Chris eine App ausgesucht, die uns ausschließlich auf Schwarzweißbilder festgelegt hat. Was mir grundsätzlich entgegen kommt. Auch Kontraste mag ich und so war für mich klar, dass ich erstmal nur mit dem (gratis) Ansel-Adams-Filter arbeiten würde. Aber eines hat mich dann doch Überwindung gekostet. Die aufgesteilten Kontraste sorgten zusammen mit der angehängten Jpeg-Komprimierung nicht nur für dramatische Bildergebnisse, sondern auch für reichlich Halos an den Kontrastkanten. Etwas, dass ich mit Leib und Seele hasse. Egal wie seht ich ein Motiv mag, wenn Halos im Bild sind, ist es mir peinlich es vorzuzeigen. Was Ihr also hier auf der Seite seht, ist gewissermaßen Therapie durch Konfrontation. Ich arbeite daran.

Ich kann allerdings nicht abstreiten, dass es schon ein befreiendes Gefühl ist, mit “fast keiner Kamera” loszuziehen. Nicht nur, weil die Finger wärmer bleiben. Ich habe auch ein weniger schlechtes Gewissen, wenn mich die Muse nicht recht küssen mag. Oder wenn meiner inneren Nörglerin wieder nichts gut genug ist. Ich war auch in diesem Urlaub wieder besonders gut darin, Bilder nicht zu machen.

Eines hat mir die kleine Übung (neben dem Spaß) aber auch noch gebracht: ich habe entdeckt, wie gerne ich im 16:9-Format fotografiere. Und zwar besonders im schmalen Hochformat – also 9:16. Das möchte ich tatsächlich häufiger ausprobieren, auch wenn es überhaupt nicht instatauglich ist. Zum Einfangen von Weite taugt es aber. Sehr sogar.
Und zwei Insta-Fotos habe ich dann doch gemacht (jpeg-Artifakte und Halos … grusel).

Ach ja, und wären wir auf Nordstrand waren, haben wir auch eine Episode Abzug FM aufgenommen. Darin geht es zwar nicht nur um Fotografie an der Nordsee, aber eben auch. 😉
(Und außerdem kaufe ich ein h)

2

Aus Angst vor dem Banalen

… oder die Geschichte von Frau Hasenfuß.

Es gibt Dinge, die ich besonders gut kann:

  • Meine Kamera mit mir herumtragen, zum Auge führen und nicht abdrücken.
  • Meine Kamera zum Auge führen, abdrücken und unzufrieden sein.
  • Film um Film belichten und unentwickelt im Dunkeln liegen lassen.

Und warum?

  • Weil jemand  das Bild sicher schon besser gemacht hat (oft hat dieser Jemand einen Namen)
  • Weil es ein Postkartenbild ist
  • Weil es sicher ein banales Motiv ist.

Turn right

Picture 1 of 2

Picture taken in St. Peter Ording, Germany by Monika Andrae Camera: Pentax 67 Film: Kodak Tri-X 400

Bei solcher Art lieb gewonnener Eigenheiten droht nicht nur ein ABBLE von unerhörten Ausmaßen (ABBLE = Analog Backlog Beyond Life Expectancy), sondern es geht einem auch der Spaß am allerliebsten Hobby flöten. Der Stapel schlummernder Bilder ist wie ein lästiges Jucken an einer Stelle, die man alleine schlecht erreicht. Je länger sie ruhen, desto mehr juckt es. Je länger sie ruhen, umso weniger mag frau sich die Bilder anderer Leute ansehen.

Wenn’s einen zwischen den Schulterblättern juckt, sucht man sich einen Türrahmen zum dran Schuppern – oder holt die Laborkiste aus dem Keller und fängt an. Und siehe da, es macht Spaß. Bilder banal? Sch…egal.

11

Meine Januar-Vorsätze, wer hat noch nicht, wer will noch mal?

Zu Silvester war ich krank, zu Neujahr rekonvaleszent – eine gute Ausrede, keine guten Vorsätze zu fassen (und mich am Ende auch noch daran halten zu müssen). Trotz des ein oder anderen Zipperleins, hatte ich mehr Zeit als gewöhnlich, mich mal wieder in mein Lieblingshobby zu vertiefen und fleissig in entsprechende Lektüre abzutauchen. Doch wie es immer bei mir ist: ein Motivations-Hoch wird direkt gefolgt von einem Perfektionismus-Tief. Frustriertes Murmeln steigert sich in lauteres Fluchen. Ich kann es mir einfach nie recht machen.

Genau betrachtet wundert es mich nicht, schließlich widme ich dem Ganzen viel zu wenig Aufmerksamkeit. Ich müsste mehr üben und ausprobieren. Mehr fotografieren, mehr produzieren. [Innerer Schweinehund an @nahlinse: “Du hast doch eh keine Zeit dazu” , @nahlinse an inneren Schweinehund: “Schnauze!”].

So trug es sich dann zu, dass sich beim vielen Blättern, Surfen, Fotografieren und Panschen sowas wie Vorsätze herausbildeten. Wenige nur. Aber vielleicht halte ich mich ja an wenigstens einen davon. Mag jemand einen abhaben? Sie reichen für alle und nutzen sich nicht ab.

1. Lese Dein eigenes Foto-Magazin online

Statt stundenlang FaceBook oder (in meinem Fall) Twitter zu stalken, lohnt es sich, das Thema Fotografie anderweitig online zu vertiefen. Sicher, das kann man z.T. auch über die sozialen Netzwerke tun – noch besser geht es aber, über einen Artikel-Kurator wie z.B. zite.

Apps wie Zite stellen einem – aus verschiedensten Quellen – mehrmals täglich Top-Artikel zu selbstgewählten Themen zusammen und liefert sie einem frei Haus Smartphone. Gerade richtig für ein paar Minuten Lektüre in Bus und Bahn, beim Frühstück oder auf dem Klo. Auf diese Art und Weise kann man sich sehr abwechslungsreich mit dem Thema Fotografie, Kunst, Kreativität befassen und bekommt regelmäßig einen Blick über den eigenen Horizont geliefert.

Achtung: Themen nicht zu eng stecken, sonst besteht die Gefahr, dass man etwas verpasst. Es steckt viel Inspiration in den an Fotografie angrenzenden Disziplinen – besonders geeignet für Ideen jenseits ausgetretener Pfade.

(Für mich das Highlight:  Nach einem anstrengenden Tag lese ich die Artikel am Liebsten in der Badewanne. Nach nur zehn Minuten Schmökern ist der Ideenspeicher schon wieder ansehnlich gefüllt.)

2. Denke mehr über Fotografie nach

Viele (Hobby-)Fotografen reden mehr über Fotografie, als sie tatsächlich fotografieren. Statt die Kamera in die Hand zu nehmen und Licht zu suchen, kann man (und frau auch) stundenlang über Technik philosophieren, Objektiv-Fehler diskutieren oder jammern, dass man a) kreativ-technisch gesehen ein Brett vor dem Kopf oder aber b) einfach keine Zeit zum Bilder machen hat.

Werde zum Multitasker: Die Zeit, die Du gedanklich mit Fotografie verbringst, während Du parallel z.B. “niedere” Arbeiten verrichtest – Bahnfahren, im Wartezimmer sitzen, Bügeln oder die Zwiebeln schneiden, zahlt auf die Befüllung Deiner kreativen Werkzeugkiste ein.

Denke über Bilder nach, die Du in Ausstellungen/Büchern bewundert hast, plane Motivideen und schieße ab und zu Bilder “im Kopf”. All das bringt Dich schneller in den ArbeitsSpielmodus, wenn Du Deine Kamera zur Hand nimmst.

3. Nimm dann und wann eine Auszeit vom Smartphone

Statt die Hände in jeder freien Minute Emails checken zu lassen, beobachte Deine Umwelt. Geschichten entstehen nicht aus dem Nichts, sondern aus Eindrücken, aufgeschnappten Gesprächsfetzen, der Beobachtung schrulliger Charaktere. Aus Geschichten entstehen Konzepte. Aus Geschichten entstehen Bilder. Fotografieren hat was mit Sehen zu tun, oder? Also, übe Sehen. Mit allen Sinnen.

4. Vergiss das Spielen nicht – fotografiere wie ein Kind

Wenn man einem Kind eine Kamera in die Hand drückt, wird es ohne viel nachzudenken ( oder um Erlaubnis zu fragen) losknipsen. Es hat keine Angst Fehler zu machen, es bittet nicht um Erlaubnis. Wenn es nicht weiter weiß, fragt es, wie etwas funktioniert. Bilder sind günstig – nicht nur für Digitalfotografen, Fehler bekommst Du geschenkt.

Mache häufiger absichtlich Fehler und freue Dich daran. Sie führen zu unerwarteten Ergebnissen, sie sind kostenloses und doch kostbares Material an dem man dazulernen kann.

5. Sei Du selbst!

Es spannend Bilder von anderen zu studieren und herauszufinden, was diese gut, anders oder besonders macht. Es nichts falsch daran, von anderen zu lernen und ihnen nachzueifern zu wollen. Aber, was Deine eigenen Bilder betrifft, sei ehrlich! Fotografiere, was Deine Aufmerksamkeit weckt oder was Du liebst und verschwende keine Zeit darauf anderen zu gefallen (leichter gesagt als getan). Versuche nicht vorzugeben, jemand anderes zu sein – Deine Bilder werden Dich ohnehin verraten.

4

Ich hasse übrigens den Begriff Entschleunigung …

Wann immer ich über Blogartikel falle, in denen es in irgendeiner Form um analoge vs. digitale Fotografie geht, bleibe ich kleben. Sie sind für mich ein bisschen wie ein offener Honigtopf .. eigentlich ist das Zeug pur viel zu süß und doch tippt der Finger auf die Honigoberfläche und wandert zum Mund. Pawlowsche Reflexe. Mehr oder weniger.

Hängengeblieben bin ich diesmal an einem Artikel von Ronny auf seinem Blog BlogTimes Warum analoge Fotografie im digitalen Zeitalter?“. Irgendjemand in meiner Twitter-Timeline hatte den Link gepostet. Ich wollte nur kurz reinlesen, dann blieb ich an “Ich hasse übrigens den Begriff Entschleunigung … “ hängen und las weiter. Polarisierende Aussagen … jaja, da war sie wieder die Sache mit dem Honigtopf  …

Beim Durchlesen des Texts und auch danach blieb ein komischer Beigeschmack. Irgendwas juckte mich. Eigentlich wollte ich nicht kommentieren .. und doch habe ich mich dabei ertappt, wie ich einige im Artikel genannte Argumente gedanklich wiederkäute.

Das Thema ist viel diskutiert – und trotzdem berührt es bei mir immer einen Nerv. Wahrscheinlich weil ich selbst so oft verständnislos angeschaut werde, wenn Freunde/Kollegen oder Familie erleben, dass Fotografie nach einigen rein digitalen Jahren, für mich (wieder) auschließlich anlog geworden ist. Der analoge Prozess, der Weg zum Bild ist für mich ein nicht wegzudenkender Teil meiner  Fotografie – oder dem, was Fotografie für mich ausmacht.
(Ich sage bewusst für mich. Andere arbeiten anders, haben Spaß daran und bringen faszinierende Bilder mit – ich beziehe mich hier auf mein eigenes Empfinden.)

Exemplarisch greife ich mir ein paar Aussagen aus Ronnys Blogpost heraus, die mich (oder meinen Widerspruchsgeist?) gekitzelt haben.

Aussage Nr. 1

Was kann ich mit einer analogen Kamera, was ich nicht auch mit der Digitalen kann? Nichts kann ich besser! Beide nehmen “Licht” auf – einziger Unterschied, die eine auf Film, die andere auf eine Pixelfläche.

Jein, lieber Ronny. Im Bezug aufs Motiv hast Du absolut recht. Entweder ich kann ein Motiv sehen – oder nicht. Wenn ich keinen Blick fürs Motiv habe, wird – egal mit welcher Kamera oder Aufnahmetechnik – kein gutes Bild daraus.

“Beide nehmen Licht auf” – Richtig. Aber Film oder Sensor – der Unterschied ist gravierend. Hier handelt es sich um weit mehr, als nur um zwei unterschiedlich farbige Eimer, die aber in gleicher Art und Weise Wasser aufnehmen.

Beim analogen “Eimer” hat der Fotograf in dem Moment, wo das Licht drauf fällt, schon einige Entscheidungen getroffen, die das Endergebnis entscheidend beeinflussen. Und nicht nur das. Sie werden  wahrscheinlich auch schon die Art und Weise beeinflussen wie er arbeitet. Oder er hat – anhand seiner bevorzugten Arbeitsweise – seine Werkzeuge entsprechend ausgewählt:

  • Die Kamera (welches Format, welche bildbestimmenden Eigenarten, technische Möglichkeiten und Einschränkungen),
  • den Film (wieviel bzw. was für ein Licht habe ich, welche Kontraste finde ich vor bzw. möchte ich im Bild nachher sehen, welche Emulsionscharakteristik brauche ich für mein Ergebnis – will ich z.B. viel oder wenig Korn),
  • den Entwickler (welche habe ich zuhause, welcher passt besonders gut zum gewählten Film, unterstützt durch sein Zusammenwirken mit der Emulsion meine Bildaussage, mein Sujet)

… das ließe sich noch weiter fortsetzen, denn streng genommen, ist da noch nicht Ende der Fahnenstange (man kann auch noch mit Entwicklungstemperatur, Kipp-Rhythmus, etc. spielen, ohne in Esoterik abzugleiten – und das betrifft nur die Entwicklung des Films und die Annahme, dass hybrid weiterverarbeitet wird. In der Dunkelkammer waren wir noch nicht mal …).

Darin liegt für mich wichtiger (und ohne Ende faszinierender) Aspekt an der analogen Fotografie: nämlich im enormen kreativen Potential, dass die verschiedenen Kamera-Belichtungs-Film-Entwickler-Kombinationen bieten (vor allem beim S/W-Film). Besonders, da sie sich so wenig linear verhalten, dass die Software-Entwickler dieser Welt dieses Verhalten höchstens im Ansatz digital simulieren können. Wer schon einmal Filme in Licht ersäuft und anschließend in der Entwicklung gepullt hat oder (andersherum) in der hellsten Mittagssonne um drei Blenden unterbelichtet und anschließend gepusht hat, kann sich erinnern, dass die Unterschiede alles andere als vernachlässigbar sind.

Wenn ich mir also nicht vorher ein paar Gedanken mache, mit welchem Film und entsprechender Belichtung sowie Entwicklung ich meine Vorstellungen umsetzen kann, bekomme ich entweder nur ein “so lala” Ergebnis oder im Extremfall einfach leere Negative.

Beim digitalen Arbeiten (bzw. dem digitalen Eimer) kann ich sehr viele Entscheidungen (auch technischer Art) erst hinterher treffen. Beim Analogen muss ich sie vorher treffen. Sonst kann ich viele kreative Visionen haben, die werden aber nie das Licht der Welt erblicken. In vielen dieser technischen Entscheidungsprozesse liegt der Schlüssel zum kreativen Arbeiten.

Sicher, ich kann meine Filme grundsätzlich nur auf Nennempfindlichkeit belichten und dann entwickeln lassen – von irgendeinem Labor. Mit irgendeinem Entwickler. In einem standardisierten Prozess. Ich kann dann das Ergebnis nehmen wie es kommt und mich dann einfach daran erfreuen. Für mich persönlich ist es jedoch viel spannender, die Zusammenhänge dahinter zu erkunden, die Stellschrauben und Parameter zu finden, die  meine Ausdrucksmöglichkeiten (theoretisch) fast unendlich erweitern.

Aussage Nr. 2

Der Aufnahmeprozess, angefangen von der manuellen Belichtungsmesser über die Fokussierung bis hin zum manuellen Aufziehen des Verschlusses ist mir dabei völlig egal. Sicherlich es macht Spaß so zu arbeiten, aber für mein eigentliches Endergebnis ist das nicht entscheidend.

Bei mir ist das nicht so. Vielleicht weil ich noch viel mehr zu lernen oder zu begreifen hatte. Mir ist am Beispiel analoges Großformat  erst klar geworden, wieviel einem jede halbwegs moderne Kleinbild- oder Mittelformatkamera abnimmt. Implizit war mir klar, dass man einen Verschluss spannen muss, damit er seinen Job tun muss – BEGRIFFEN habe ich es erst, als ich mich vor dem ersten Schuss mit meiner Graflex durch meine mentale Checkliste gearbeitet habe. Ich stelle außerdem fest, dass ich mir noch mehr Gedanken über mein Motiv und die wirklich bildwichtigen Elemente mache, wenn ich einen Fokus (womöglich noch mit Lupe) manuell sauber setzen muss, anstatt das irgendeinem Autofokus-Messfeld zu überlassen. Gleiches gilt für die Belichtung. Wohin und in welchem Winkel messe ich denn nun, wenn ich keine tolle Matrix- oder Mehrfeldmessung zur Verfügung habe, sondern nur meinen alten Gossen schwinge (oder, oh Frevel, mit einer  iPhone-App messe)?

Und ja, ich glaube daran, dass das viele Be-Grei-Fen und Erfahren meinem Fotografie-Verständnis auf die Sprünge hilft und sich irgendwann auch in meinen Bildern wieder findet. Oder, wie ein kluger Mensch in meinem Umfeld neulich meinte: Von der Hand in den Kopf, in den Bauch.

Man möge mich nicht falsch verstehen: ich halte mich mitnichten für die große Fotokünstlerin, die all das, was sie gelernt hat, virtuos und regelmäßig in preisverdächtige Werke umsetzt. Aber ich liebe es,  in meine Hobbys einzutauchen. Ich mag es, den Alltag hinter mir zu lassen, in dem  ich mein Gehirn um ein Thema wickle, das mich fasziniert. Genau deshalb ist der Prozess für mich so wichtig wie das Endergebnis.

Just my two cents – oder in dem Fall eher mein ganzes Pfennigglas.

12

Nahezu ziellos

Ich bin ja nicht so der Foto-Taschen-Mensch. Nicht mehr. Trotz einer durchaus beachtlichen Sammlung spezialisierter Linsenbehältnisse, wandern meine Kamera(s), ein paar Handvoll Filme und Zubehör meist einfach in einen Rucksack. Das Stativ hänge ich mir mit einem Riemen quer über Rücken und Schulter und gut ist. Trotzdem kann man trefflich drüber philosophieren, was man so an Kleinzeug dabei haben sollte. Bei mir sind es im Regelfall eine kleine Wasserwaage und Drahtauslöser oder vielleicht mal ein Taschenmesser. Mehr wäre mir schon zuviel Aufwand – ich bin da eher Minimalistin.

Andere, besonders die Anhänger des Strobistentums, schleppen neben dem – ich nenne es mal Primärmaterial – noch Klebeband, Schnüre und anderes McGyver-Zeugs mit sich rum. Nichts, was ich wirklich brauchen würde …. aber ich weiß seit gestern, was in meiner Minimalausrüstung nie mehr fehlen darf: der Laserpointer.

Die Fotos in diesem Beitrag entstanden in einer verlassenen Penthouse-Etage eines Nobelhotels und sie gehören – neben zwei Skylinebildern vom Dach – zu den einzigen auf einer Rolle Film, die tatsächlich scharf sind. Das Hotel (ein Luxusschuppen) ist noch in Betrieb, aber die obersten drei Etagen und der ganz oben befindliche alte Ballsaal sind verlassen.

Wenn man da des Nachts  eher uneingeladen hineinspaziert verhält man sich fein still und versucht, Aufsehen zu vermeiden. Das bedeutet u.a. kein Licht  und wenn, dann wird die Taschenlampe fein abgeblendet und nach unten gerichtet (über die eigenen Füße will frau eher nicht fallen … wegen dem Aufsehen und so).

Besagter Ballsaal war nun – bis auf die Lichter der Notausgänge und der Skyline – unbeleuchtet und so zappenduster, dass man mir beim Film einlegen mit dem leuchtenden iPhone assistieren musste. Ein Blende kann ich noch von Hand und nach Gefühl einstellen, belichtet habe ich eh im Bulb-Modus mehrere Minuten lang (einen Drahtauslöser kann ich auch blind bedienen), aber die Sache mit dem Fokussieren gestaltete sich in gegen dunkle Wände oder Fenster schwierig. Dort, wo mir beleuchtete Notausgang-Schilder als Anhaltspunkt fehlten, hätte ich mir einen Laserpointer gewünscht. Klein unauffällig, scharf umrissen und ohne auffälligen Lichtkegel. Hatte ich nicht. Leider. So habe ich einige Bilder auf meinem Film die hinsichtlich Belichtung, Kontrasten und vor allem Stimmung wun-der-bar sind. Leider sind sie unscharf. Butterweich. Hmpf!

Ich meine … es grenzt an ein Wunder, dass ich bei lauter geratenen und pi mal Daumen umgesetzten Belichtungszeiten von 1-3 Minuten einen 1A durchgezeichneten Film aus der Suppe ziehen durfte … und dann sind die besten Bilder de-fokussiert. [bitte hier theatralisches Gejammer einsetzen]

Nu ja … sagte ich schon, dass ich Standentwicklung liebe? It rulez!

> Klick macht groß <

 

0